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  • MARTE FERIA INTERNACIONAL de ARTE CONTEMPORANEO

    Marte Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Presentaremos la obra de Cristina Silván con el comisario Miguel Mallol. Jueves 16 noviembre: 19 h. Apertura a profesionales (con invitación) Viernes 17 noviembre: Apertura al público de 12 a 14’30 horas y de 17 a 22 horas Sábado 18 noviembre: Apertura al público de 12 a 14’30 horas y de 17 a 22’30 horas Domingo 19 noviembre: Apertura al público de 12 a 14’30 horas

    Palabras desde MARTE hoy… Galería Antonia Puyó.

     

  • ADJUDICACIÓN PROYECTO DE INTERVENCIÓN ARTÍSTICA EN EL EDIFICIO DE RADA

    En junio del 2017, la propuesta de Cristina Silván fue la elegida para la intervención sobre un edificio industrial en Santa Cruz de Bezana (Cantabria). En el jurado estuvo el alcalde, Pablo Zuloaga, el arquitecto, Emilio Carreño, Mónica Álvarez Careaga, comisaria del proyecto y directora de Drawing Room, y el galerista, Jose De la Fuente. En esta convocatoria tuve el honor de participar con Ana H. del AmoJose Rosario Godoy, Arancha Goyeneche y Carlos Maciá.

  • X Premio de Expresión Plástica Fundación Ramón J. Sender.

    El 18 de octubre se inaugura la exposición del X Premio de Expresión Plástica  Fundación Ramón J. Sender, de la UNED de Barbastro.

    Todo un lujo estar entre los seleccionados de esta muestra: GEMMA RUPÉREZ, ALEJANDRA FREYMANN, MARTA AGUIRRE, PILAR ÁLVAREZ, CARLOS AQUILUÉ, JAVIER AQUILUÉ, MARIANO CASTILLO, CARLOS CASTILLO SEAS, ROBERTO COROMINA, CARLOS DE RIAÑO, FERNANDO DÍAZ GE, FERNANDO ESTALLO, ANDREA GARAY, JORGE ISLA, OPN STUDIO (SUSANA BALLESTEROS/ JANO MONTAÑES), ALEJANDRO PADRÓN, SYLVIA PENNINGS, ENRIQUE RADIGALES, FERNANDO ROMERO, ORIOL ROSELL, INMA SÁENZ, CRISTINA SILVÁN y LLORENÇ UGAS.  

  • CÍRCULO DE TIZA | Área de Cultura y Patrimonio | Universidad de Zaragoza | 9 febrero de 2017

    El 9 de febrero, a las 20:00 h, se inaugura en las salas de exposiciones del Paraninfo el proyecto "Círculo de tiza. Imágenes y voces que interrogan" Aquí estaremos: María Angulo Egea, Margarita Aizpuru, Susana Blas Brunel, María Buil, Julia Dorado, María Enfedaque, Louisa Holecz, Cristina Monge Lasierra, Concha Lomba Serrano, Vicky Méndiz, Sandra Montero, María Ángeles Naval, Belén Palanco, Sylvia Pennings, Charo Pradas, Teresa Salcedo, Señor Cifrián, Cristina Silván, Gema Rupérez, Chus Tudelilla Laguardia, Alicia Vela, Lina Vila y Rocío de la Villa. [Chus Tudelilla Laguardia. Comisaria]

    https://cultura.unizar.es/actividades/exposicion-circulo-de-tiza

  • WET PAINT. 16 junio 2016

    El 16 de junio en el espacio Área 72 de Valencia inauguración de la exposición WET PAINT, con obra de Toño Barreiro (Zamora 1965), Cristina Silván (Pamplona 1975), Alan Sastre (Barcelona 1977) y Elvira Amor (Madrid 1982). Del 16 de junio al 30 de julio.

    Área 72 presenta Wet paint la última exposición colectiva de la temporada

    16 de junio al 30 de julio de 2016

    En la abstracción, el elemento objetivo reducido al mínimo corresponde a su máximo de eficacia de lo real V. Kandinsky.

    Wet paint es un alegato a la experiencia de lo real, cuatro artistas herederos de la tradición pictórica, del taller, de la técnica depurada y del soporte. Artistas que hoy siguen en búsquedas mas allá de la materia, el formato y su relación con el muro y el espacio, cuatro propuestas vinculadas que dialogan en el espacio subterráneo de AREA72, en un encuentro directo y sensual con el espectador, articulándose en torno al qué, cómo y con qué vemos.

    Toño Barreiro (Zamora 1965), Cristina Silván (Pamplona 1975), Alan Sastre (Barcelona 1977) y Elvira Amor (Madrid 1982); nos sumergen en un estado de sensaciones con obras que se filtran deliberadamente en la atención del espectador, con una vibración que atrapa lentamente y exige demora de la mirada, el paseo del ojo atento, ese gusto por el detalle y la complejidad, por la variación mínima, por el color que asoma bajo las veladuras, por el matiz, el reflejo, o el leve descentramiento de la geometría, a lo mudable, a la neutralidad y el silencio. Una exposición colectiva donde el sujeto de esta pintura es la pintura misma, artistas que elijen la pintura, como premisa y se diluyen en su ejecución en su metalenguaje, donde lo importante es la experiencia que la pintura vehicula y la voluntad del pintor en ofrecer obras que posean una particular intensidad y que representen una experiencia para quien la contempla.

    El espacio de Area72, se reviste con obras saturados de color de grandes dimensiones, pequeñas ventanas de intimidad, obras luminosas, atmosféricas, cargadas de presagios, que envuelven al espectador y lo sumergen, espacios donde el ojo se pierde en el sentido y es consiente de sus propias concepciones como anteriormente lo hiciera el pintor por medio de pinturas que proceden tanto de la armonía geométrica como del lirismo , conjugadas en un compromiso de búsqueda por atrapar al espectador al margen del mundo sensible.

    Wet Paint conjuga la obra de 4 artistas disimiles, para realizar, un viaje no narrativo, capaz de expresar ideas complejas en términos simples, relaciona los aspectos formales de la pintura como, forma, espacio, color y aquellas ordenes que no están presididas únicamente por lo conceptual y lo apriorístico. Series empíricas muy comprometidas con las vivencias perceptivas del silencio y lo indecible , con la levedad, la suspensión y el recogimiento, con la experiencia con la pintura, una acción que no puede resolverse en la instantaneidad o la inmediatez, que necesiten su espacio y tiempo de contemplación.

    Los artistas de wet paint

    Toño Barreiro Nos presenta sus últimas obras, como objetos elípticos seccionados hasta presentar una superficie plana que simula otro lugar desde su frente. El artista nos invita a primera vista a considerar su masa y por lo tanto a valorarla en su gravedad, pero al saber de su levedad, de su vacío interior, desliza la apreciación hacia otros territorios que entienden la practica pictórica como estrategia de artificio. Toño Barreiro utiliza la pintura como la imposición de una pantalla, una piel o una mascara que impiden el contacto directo con lo ocluido. El comportamiento de la pintura y la paleta escogida para la serie baña toda la obra, aunque concentra la atención en la frontalidad, de esta forma el autor confirma esa atracción por la superficie e inscribe un discurso como un tatuaje, que transmite ilusión de profundidad.

    Cristina Sílvan: Por medio de los aspectos mas formales de la pintura, color y forma, nos induce a la tensión, con obras circulares y semi-circulares, que desplazan en su superficie geometrías seccionando al circulo por colores y planos, que ocupan ejes diagonales o que se sitúan a la periferia de la escena, formas que se encajan en otras creando una trama, un espacio. Estrategias que nos recuerdan a los análisis del cuadrado de Malevich o Albers. Sus obras se organizan de un modo serial, tomando el circulo y la geometría como unidad repetitiva de identidad. La oscilación entre lo indecible y lo innominado, la nitidez y la precisión de los contornos, el carácter frío en una paleta contrastada. estructuras en repetición, que vibran en nuestros ojos.

    Alan Sastre: En su obra percibimos la sugerencia de manchas, y la impronta gestual sobre el lienzo, como si hablaramos sobre la piel de la pintura, es una vertiente sensorial o lírica. La pintura de Alan se presenta en términos de pura visibilidad, percibida desde la sensación, desde los ojos como ventanas del hombre. La obra como síntesis de sentimiento, construcción, de espontaneidad y meditación, de espacialidad, de superficie de color y acción. Logrando fijar la mirada de un modo narcisista en la naturaleza de cada obra, en sus limites, en un indisimulado deleite de seductores juegos cromáticos envueltos en simulacros de materia y realidad. La textura, la materia o sus continuas pervivencias gestuales, en una superficie plana de sistematización de áreas que Insinúan una confluencia frágil entre la intensidad cromática, sin ingredientes de narración, solo con ligeras y sutiles veladuras de color.

    Elvira Amor: La economía formal y la nitidez de sus contornos coexistentes con la plenitud cromática y las superficies inmaculadas, las manchas no se subordinan unas a las otras, todas ellas poseen el mismo valor compositivo como si de una organización (holística) se tratara. Los efectos de la física y la óptica pueden llegar a ser considerados los motivos del proceso artístico. La desaparición de jerarquías, el carácter no relacional, junto con el formato, parecen conferirle un valor sorprendente de realidad y poesía, acentuar la naturaleza de la pintura como entidad autónoma, desprovisto de ilusionismo narrativo o tan solo del que se desprende del soporte físico y literal de la pintura. Pigmentos, lienzos en crudo, papel, cartón, madera, satisfacen el recorrido físico de la obra, sin atisbar más allá ningún espacio de interpretación o legitimación. La pintura como una percepción organizada, estilizada y dispuesta a la simplificación , matizadas por el color.

    Wet paint es una exposición de pintores donde la materia que habla por si sola y de ella misma, una exposición planteada como una experiencia visual con la pintura, algo especial cifrado que recibimos cuando vemos una pintura, algo que podemos experimentar en una sensual experiencia de armonía y de luz, la fisicidad de la obra, su propia naturaleza, que nos afecta emotivamente, de manera directa, Wet Paint habla de la contemplación y de la pintura, de un examen sistematizado de la materia pictórica, de esa sencillez aparente de medios y procesos, que no hace sino resaltar, la destilación de una sensibilidad pura y exige la detención de la mirada.

    Wet Paint es la substancia de la pintura, la ambición de la pintura, que en tiempos de agotamiento sensorial por la saturación de imágenes, buscamos un espacio con silencios, un lugar para MIRAR.

    Jorge López. www.area72.org